Conoce a los artistas de los Desenio Art Awards

Julia Humbla – Painter of the Year 2026

La obra de Julia fue seleccionada por su estilo figurativo refinado y de gran resonancia emocional. Con una paleta sobria y un delicado ritmo visual, captura momentos de cercanía humana con una sensibilidad y claridad extraordinarias.

Con base en Estocolmo, Julia pasa varias semanas cada verano en el archipiélago local. «La naturaleza es donde encuentro la mayor parte de mi inspiración: en el cambio de las estaciones, en los paisajes tranquilos y en los momentos cotidianos con mis hijos». Lleva esas ideas al apatamento que comparte con su familia, donde se transforman en cuadros que transmiten una sensación de tranquilidad muy característica.

«Espero que mi obra ofrezca una sensación de calma en un mundo que va a toda velocidad. Si alguien se detiene un momento, siente algo familiar o le viene a la mente un recuerdo que creía haber olvidado, siento que lo he conseguido». Julia viene de una familia creativa, por lo que su elección profesional siempre ha sido respetada. «Pintar siempre me ha parecido parte de quien soy», afirma, «A menudo dejo partes de mis cuadros sin definir, permitiendo que el espectador complete la historia con sus propios recuerdos y emociones».  ¿Y cómo nace la idea de un cuadro? «Puede ser el movimiento de un hermoso vestido, la textura de un tejido o un momento fugaz con mis hijas. Siempre que algo me conmueve, intento plasmar la sensación que me transmitió».

Las cuatro obras ganadoras están unidas por temas de relaciones, la nostalgia, los sueños y el sentido de pertenencia. Julia explica: «La mujer que sostiene el cisne representa, para mí, la sensación de echar algo de menos. Puede ser una persona, un momento o, simplemente, un sentimiento que una vez existió, pero que ahora solo permanece como un bonito recuerdo».

¿Le sorprendió saber que había ganado? «Sí, por completo. Estaba en nuestra casa de verano con mis hijas cuando sonó mi teléfono con un número desconocido. Era Desenio. Me dijo, casi en voz baja: “Aún no se lo puedes decir a nadie, pero has ganado”. Inmediatamente me eché a llorar. Creo que no paraba de decir: “¿Qué? No, ¿en serio? No lo entiendo”, una y otra vez».

Joel Mellström – Graphic Artist of the Year 2026

El jurado quedó cautivado por las composiciones surrealistas de Joel, que abren espacios contemplativos en los que lo familiar se vuelve poético, ambiguo y sutilmente inquietante. Joel es creativo en su trabajo diario en Estocolmo, pero se dedica a su propio arte en su tiempo libre.

Con una fuerte influencia del cine, crea escenas que parecen sacadas de un sueño mezclando lo surrealista con lo fantástico. Joel siempre ha sido creativo, pero no fue hasta finales de sus veinte años cuando encontró su camino en la creación de collages digitales. «Me encanta crear paisajes con colores vivos que puedan parecer como una captura de un sueño. Me interesa especialmente el espacio entre lo real y lo imaginado, donde los elementos familiares se transforman en algo inesperado».

¿Cómo es, entonces, el proceso creativo a la hora de crear collages digitales? «En realidad, solo se trata de hojear un montón de imágenes para ver si algo me da una idea. Cuando encuentro la perfecta primera imagen, la visión de toda la obra surge casi al instante». Como autoproclamado cinéfilo, Joel se inspira mucho en diferentes directores. Su favorito de todos los tiempos es Wes Anderson. «Él es, en gran medida, la razón por la que he encontrado mi voz creativa. Le debo mucho».

¿Y qué hay de las obras que le ayudaron a ganar este premio? «Quería mostrar algunas de mis piezas favoritas y cómo ha evolucionado mi creatividad a lo largo de los años. Cada obra de la selección tiene ese aire de escena de un sueño y a la vez familiar que busco en mi arte». Pero, ¿qué se sintió ganar el premio? «Enterarme de que había ganado en mi categoría unos meses después fue una sensación absolutamente alucinante.

Como alguien que, a pesar de dedicarse a la creatividad tiempo completo, vive en un estado constante de síndrome del impostor, ganar me resultó muy reconfortante y halagador».

Hanna Göransson – Photographer of the Year 2026

El jurado quedó cautivado por la capacidad artística de Hanna para transmitir claridad, ingenio y una fuerte convicción visual. Su trabajo transforma objetos y gestos cotidianos en composiciones que resultan divertidas y cautivadoras a la vez. El interés de Hanna por la fotografía comenzó en su adolescencia. Originaria de Hälsingland, una zona bastante rural de Suecia, siempre estuvo rodeada de manualidades: «Era algo que hacíamos mis hermanas y yo», afirma.

Ahora tiene un único objetivo: «Me encanta el arte de la fotografía porque es muy versátil, creativo y te puede llevar a muchos sitios». ¿Cómo es su proceso creativo? «A veces lo tengo todo planeado hasta el más mínimo detalle de cada imagen, pero la mayoría de las veces mi proceso es práctico y experimental». Tiende a dejarse llevar y a seguir su intuición. «Me gusta tomar cosas cotidianas y convertirlas en composiciones inesperadas, o simplemente destacar objetos cotidianos por los que solemos pasar sin fijarnos».

Le atraen los contrastes de colores y siempre busca que sus sujetos estén llenos de vida. «Me gusta crear un equilibrio entre lo pulido y lo imperfecto». La inspiración llega de muchos sitios. «Me inspiran los destellos cotidianos, los colores de las casas, el diseño gráfico, los amigos y la familia, la naturaleza y la gente en la calle». En cuanto al trabajo que llamó la atención del jurado, se trataba de un proyecto final de sus estudios en Estocolmo. «La idea era explorar el contraste a través de la fotografía digital, concretamente ese momento en el que lo pulido choca con lo pegajoso, y los detalles inesperados te obligan a mirar más de cerca.

Utilicé materiales cotidianos como paquetes de cigarrillos, patatas fritas, fideos, ketchup, huevos fritos y helado de textura cremosa. Mi objetivo era crear fricción». ¿Se sorprendió cuando recibió la llamada para comunicarle que había ganado el premio de Photographer of the Year Award? «¡Sí, totalmente! Sé la cantidad de creadores increíbles que aplicaron, así que enterarme de que mi trabajo había llamado la atención del jurado fue una sorpresa increíble y surrealista. Que este proyecto haya sido reconocido de una forma tan importante me da más confianza en mí misma».

Joeyline Tannous – Illustrator of the Year 2026

La coloridas obras de Joeyline llamaron la atención del jurado por sus representaciones íntimas y llenas de carácter de la vida cotidiana. A través de colores expresivos, motivos familiares y un sentido seguro de la composición, transforma escenas cotidianas en obras que se sienten personales, vívidas y cautivadoras. Cuando le preguntamos, Joeyline no estaba muy segura de cuándo empezó a considerarse una artista.

Quizá sus raíces en el Líbano tengan algo que ver. «Vengo de una cultura en la que la gente se preocupa por la estética, pero el arte se considera un pasatiempo, una afición, y no una carrera que merezca la pena tomarse en serio. La arquitectura se convirtió en el puente que utilicé para construir una carrera seria sin dejar de buscar la alegría de la creatividad y el arte».

Describe sus obras como imperfectas, divertidas y coloridas. «No me gusta limitarme a un estilo concreto, ya que me gusta experimentar mucho. Es una especie de reinterpretación o fusión de la clásica naturaleza muerta con las modernas publicaciones gastronómicas en Instagram, que utiliza la perspectiva justa para que tenga sentido, pero sin tanta profundidad como para tomarse en serio a sí misma. Es el tipo de arte que me gustaría colgar en mi propia casa».

Puede que dedique algo de tiempo a planificar su obra, pero, cuando empieza, suele ignorar ese plan. «Cuando empiezo a mezclar los colores, acabo dejando de lado la mayor parte de el plan y simplemente me divierto. Se trata de ir probando y cometiendo errores, y de confiar en el proceso, aunque parezca desordenado o caótico, ya que a veces las ideas espontáneas hacen que todo sea más divertido».

Las obras que presentó para los premios muestran una serie de momentos centrados en comer y beber. «La comida une a las personas. El objetivo no era crear una versión hiperrealista, sino más bien algo caricaturesco, con contornos bien definidos, lo que, en realidad, me dio más libertad para experimentar con el contraste de colores y mantener las imperfecciones predominantes». ¿Cómo se sintió  recibir la noticia de que había ganado el premio de Illustrator of the Year? «Me dio la confirmación que necesitaba de que sí, soy una artista y puedo compartir mi arte.

Me demostró que armarme de valor para dar el paso, para intentarlo, puede conducir a resultados increíbles. Necesitaba una señal para demostrarme a mí misma que esto es algo que puedo hacer, que puedo tomarme en serio, y el universo respondió con creces».

Marine Aimée – Emerging Talent of the Year 2026

El arte de Marine llamó la atención del jurado por ser una obra profundamente introspectiva y emocionalmente elocuente. Sus pinturas abordan temas como el duelo, la recuperación y la complejidad humana con sensibilidad y fuerza a la vez. Basada en Calgary (Canadá), Marine trabaja desde un estudio en su casa. Le encanta tener un espacio tranquilo para crear, ya que gran parte de su trabajo requiere reflexión.

«El paisaje aquí transmite una sensación de amplitud que, en mi opinión, refleja el espacio que intento crear a través de mis obras. Un lugar donde la gente puede, sencillamente, sentir». Marine siempre ha sido creativa, pero su camino hacia el arte no fue lineal. «En diferentes momentos quise ser escritora, profesora, incluso arqueóloga. Mirando atrás, no creo que esos años fueran en vano. Me enseñaron mucho sobre mí misma y me ayudaron a comprender qué era lo que realmente me llenaba». Cuando Marine vivió una ruptura sentimental difícil en sus veintes, por fin cogió un pincel y empezó a crear arte como forma de procesar sus emociones. «Lo que comenzó como un mecanismo de defensa se convirtió poco a poco en algo mucho más profundo».

¿Cómo describiría sus obras? «Gran parte de mis obras se sitúa en el espacio entre la vulnerabilidad y la fortaleza. Me interesan las emociones para las que no siempre tenemos palabras, los momentos tranquilos de autodescubrimiento, la tensión del proceso de transformación y las historias que llevamos bajo la superficie». Cuando se pone a pintar, es un delicado equilibrio entre la intención y la intuición. Aunque a veces empiece con un plan abierto, algunos de sus momentos favoritos se producen cuando deja que la pintura evolucione de forma natural y se resiste a/ forzarla para que se convierta en algo que no es.

¿Y qué significa para ella ganar este premio? «Creo que este premio representa algo más que un logro artístico. Rinde homenaje a los artistas que contribuyen a una cultura creativa basada en la conexión, la generosidad y el crecimiento. Haber sido nominada ha sido un honor, y formar parte de esa comunidad es una oportunidad que valoro mucho más allá del propio premio».

Sus obras ganadoras entrelazan la narración con la vulnerabilidad emocional. «Estas obras están profundamente influenciadas por mis propias experiencias de autodescubrimiento y por el proceso de aprender a enfrentarme a aquellas partes de mí misma que fueron moldeadas por experiencias pasadas. Me interesaron esos momentos en los que realmente empezamos a reconocernos de forma más abierta, cuestionamos las historias y creencias que tenemos y hacemos espacio para cambios».

Samuel Centrella – Mixed Media & Urban Artist of the Year 2026

El trabajo de Samuel fue seleccionado por el jurado por una voz artística poderosa e inquebrantable. Sus obras expresivas se crean a través del gesto, la superposición de capas y la experimentación con materiales, dando como resultado composiciones que se sienten inmediatas y cargadas de emoción.

¿Qué camino tomó para convertirse en artista? “Cuando era niño, mi abuela me dio carboncillo y papel de dibujo. Dibujar se convirtió en mi vida. Tenía cuadernos que no le mostraba a nadie porque no se trataba de una presentación. Era tan natural para mí que nunca me di cuenta de que era algo a lo que podía dedicarme profesionalmente. Siguió varios otros caminos antes de aceptar que su verdadera vocación era la pintura: bailarín, intérprete de teatro musical, actor, dramaturgo y cine. Establecido en la ciudad de Nueva York, ve la pintura como un diálogo entre el espectador y el artista.

“Los mejores pintores me dicen exactamente cómo se sienten en los primeros dos segundos en los que miro su obra”. Su proceso creativo sigue un patrón particular. Comienza con una meditación para establecer el estado mental adecuado. “Cuando calmo mi mente, mi intuición toma el control y puedo simplemente pintar. No pienso, no planeo, simplemente me permito conectar”. Una vez que empieza, recurre a su tiempo como bailarín y usa el jazz para guiar sus movimientos. “Se trata de mantener mi mente fuera de esto”. La abstracción es sumamente importante para él. “A través de la abstracción puedo explorar lo que significa y se siente ser humano”.

¿Y cómo se sintió al ser reconocido por el Jurado de Desenio Art Awards? “¡Estaba tan sorprendido! Fue realmente emocionante ser seleccionado como finalista entre los artistas tan talentosos en mi categoría. Qué honor ser seleccionado como el primer ganador de Mixed Media and Urban Artist of the Year Award”. Las obras ganadoras de Samuel se componen de cuatro grandes pinturas abstractas. “Comencé con un tablero de madera en blanco, sobre el que apliqué gouache y pinturas acrílicas.

Mezclé esta capa húmedo sobre húmedo, lo que le da a la pintura seca una sensación de movimiento y libertad. A medida que la primera capa se secaba, me dio un paisaje rítmico para agregar capas encima. Cuanto más juego y bailo alrededor del tablero, más coherente se vuelve la pieza. En algún punto del proceso creativo, mientras pinto, siento una profunda sensación de plenitud. Explora las obras ganadoras de cada artista en su página de Artista Destacado; tal vez descubras una nueva favorita.